Continuons dans les contes de fées, avec mon avis sur le film Blanche-Neige et le chasseur. Décidément, ce conte est à la mode en ce moment, se retrouvant à la base de Once Upon a Time, dans deux adaptations cinématographiques, et dans le seul passage lumineux du Livre des choses perdues.

J'avais zappé la première adaptation : trop de couleurs, trop de crème, trop de sourire sur le visage de Julia Roberts et de vide dans le regard de Lily Collins ; préférant me concentrer sur la seconde, dont la bande annonce sombre et grandiloquente me parle beaucoup plus.

Le conte y est un peu remodelé, par rapport au modèle classique. Le père veuf de Blanche-Neige se remarie avec une sorcière belle et blonde, dont la relation avec son frère est malsaine (Game of thrones ? Cersei ? Jaime ? Mais pardon, je m'égare). Dès la nuit de noce, elle tue le roi, prenant sa place le lendemain et déversant la mort et la désolation sur le royaume. La fille du roi est jetée dans un cachot sombre, d'où elle peut voir des jeunes filles revenir abominablement vieillies de leurs entretiens avec Ravenna, la reine et sorcière.

Bien sûr, elle finit par s'enfuir, et elle atterri dans une forêt maudite et sombre, dans laquelle une seule personne peut pénétrer : un chasseur alcoolique depuis que sa femme a été tuée par Ravenna. Comme dans tout bon film hollywoodien, le chasseur va tomber amoureux de la jeune fille après quelques scènes de confrontation et la protéger dans la reconquête de son royaume.

C'est un film qui a de très grandes qualités, et d'immenses défauts. La réécriture du conte est extrêmement bien faite et crédible. Les variations sur le thème principal (la pomme, par exemple, ou les nains) sont bien introduites et redonnent une certaine jeunesse au conte. Les images, des actrices aux costumes, des effets spéciaux aux paysages d'Ecosse, sont magnifiques, des tableaux à part entière.

Mais le film manque souvent d'originalité. Les scènes fortement inspirées du Seigneur des Anneaux sont légions et j'ai presque pris comme un jeu de faire correspondre les passages du film au volume du SDA dont elles sont adaptées. Pire, un passage entier de Princesse Mononoké est repris, et, ce qui passe bien dans un animé peut sembler dramatiquement kitsch dans un film.

Mais le film est sauvé par la majorité de ses acteurs : Charlize Theron est une Ravenna merveilleuse, belle et brûlante comme la glace, dangereuse, avec une pointe de folie qui gagne petit à petit. Même dans les scènes avant qu'elle ne se dévoile, son regard porte une froideur qui laisse présager le pire.

A mon grand étonnement, Chris Hemsworth fait un chasseur tout à fait pertinent. Son alcoolisme, son désespoir laissent peu à peu et avec beaucoup de finesse place à la tendresse pour Blanche-Neige et au courage de renverser le monde. Je ne m'attendais pas à un jeu aussi complexe pour cet acteur et m'en réjouis.

Mais reste l'actrice principale, celle qui se fait complètement effacer de ce film : Kristen Stewart. Je ne l'avais vu dans aucun film, et partait sans préjugés. Je la trouve absente, inexistante, passive, sans émotion. Elle ne dote son personnage d'aucune personnalité, d'aucun trait de caractère. Et les quelques fois où elle joue une émotion (son réveil, son couronnement, par exemple), elle se contente d'une bouche entrouverte, et de profondes inspirations qui me font plus penser à une crise d'angoisse qu'à autre chose...

Au final, je sors de ce film avec un avis mitigé : il y a des passages excellents, des scènes qui m'ont profondément marquée, et d'autres que j'ai trouvées faiblardes et ridicules.

Drôle de sensation...

Rentre dans le cadre du challenge Once upon a time

Roger O Thornhill est un publicitaire à la Mad Men. Élégamment habillé d'un complet gris clair, il dicte des informations à sa secrétaire, en allant boire un verre au bar d'un hôtel avec des amis avant de rejoindre sa mère pour aller au théâtre.

Mais voilà que le bât blesse : alors qu'il se lève pour envoyer un télégramme à sa maman, il est confondu avec un dénommé Kaplan, molesté, enlevé, emmené dans une demeure un peu à l'écart, et là, impossible de convaincre ses geôliers qu'il n'est pas le fameux espion introuvable aux multiples identités.

Se lance alors une course poursuite entre le héros, qui cherche Kaplan (qui est le seul à pouvoir démontrer qu'il n'est pas Kaplan) et les méchants à la poursuite de Thornhill qu'ils pensent être Kaplan.

Et comme si ce n'était pas assez compliqué comme ça, une dernière révélation sur le gateau : Kaplan n'existe pas, c'est un personnage créé par les Services Secrets pour brouiller les pistes et ils sont bien trop heureux que quelqu'un se présente et endosse le rôle.

Bref, notre ami est dans la mouise...

Alors que je n'aime pas trop d'habitude les films de gangster et d'espions, j'ai pris beaucoup de plaisir à regarder celui là. Déjà parce que le personnage principal n'est pas un agent secret, mais un quidam, un monsieur tout le monde qui se retrouve embarqué dans cette histoire et qui essaie de s'en sortir tant bien que mal. Très naïf, innocent, un peu pataud avec sa carrure immense, Carrie Grant est un régal à regarder. Il surjoue avec un côté presque cinéma muet.

Aux côtés d'une Hitchcock girl sans beaucoup d'intéret, il y a LE méchant. Et là, LE méchant est joué par James Mason, celui là même qui jouait Humbert Humbert dans le Lolita de Kubrick et, oh ! By Jove ! (oui, c'est le genre de film qui donne envie de dire "By Jove !"), il est toujours aussi extraordinaire. Il joue un méchant complexe, à la fois terrible et implacable, mais doté d'une fragilité qui le fera tomber.

Et certains plans sont justes inoubliables. Si certains (Carrie Grant conduisant soul sur une route côtière, en mauvaise incrustation sur le fond) sont franchement loupés, d'autres s'ancrent dans l'histoire du cinéma, comme lorsque Thornhill, attendant Kaplan sur une route de campagne, est poursuivi par un avion venu pour le tuer ou quand il perturbe une vente aux enchères. Les jeux d'ombre, sur les regards, voilés ou montrés, sont admirables eux aussi.

Du grand cinéma, et, du cinéma qui donne le sourire !

Vu dans le cadre du challenge Fifties sur whoopsy-daisy

et du Challenge Hitchcock

"You have no reason to be angry with me, because I'm one of the few people that see and try to give you an opportunuity."

Henry Barthes est un prof remplaçant, spécialisé dans les collèges les plus difficiles. "Détaché" de l'Education Nationale, il l'est aussi de sa vie, habitant un appartement sans âme, allant deci-delà et ne s'attachant à personne, si ce n'est à son grand-père, un vieillard en maison de retraite à laquelle il apporte chaleur et réconfort. Son grand-père ne se remet toujours pas de la disparition de sa fille, la mère d'Henri dont les nuits sont troublées par les souvenirs d'enfance dans laquelle il apparait.

Dans cette nouvelle classe, dans cette nouvelle ville, il va faire deux rencontres, deux jeunes filles qui vont attendre de lui soutien et affection, émotions dont il se protège. La première est une élève de sa classe, brillante et obèse, donc dévouée aux remarques désobligeantes de ses camarades de classe et de son père. Mais la petite est douée d'une sensibilité hors du commun. La seconde est une très jeune jeune prostituée, presqu'une enfant sauvage qu'il prend sous son aile comme un grand frère.

C'est un film terrible, une mise en accusation de la société américaine, d'abord par son école : profs insultés, méprisés par les parents, agressés par les élèves ; élèves en désherence totale, en désespérance, sans avenir, avec ou sans diplôme. Ecole de la solitude, où règne la loi du plus fort. Au milieu de cette jungle sauvage, Henry et son costume tiré à quatre épingles, son amour de la littérature hors de propos, mais tellement nécessaire.

C'est étonnant que ce film soit sorti à quelques mois de Shame, car ils traitent du même sujet : la solitude. Comme si après des décennies d'individualisme, l'Amérique se rendait compte qu'il porte en lui ce corollaire. Solitude chez ce vieil homme qui meurt sans la personne qu'il aimait le plus, sa fille. Solitude chez cette adolescente surdouée et mal dans sa peau. Solitude chez ce professeur mal-aimé rentrant en famille pour trouver encore plus de solitude, femme et fils mutiques devant la télévision.

De la solitude, Henry ne s'en sort qu'en apprenant à s'attacher à cette prostituée, Erica. Comme dans Shame, dont le héros réapprenait la nature de l'amour grâce à sa soeur. Deux relations qu'il serait intéressant de mettre en parallèle, ou en confrontation. Deux hommes seuls s'engageant dans une relation fraternelle avec une femme perdue. Deux relations où l'un a un rapport assidu au sexe (Shame via la maladie de Brandon, Detachment via le métier exercé par Erica). Deux femmes mal dans leur peau, mal insérrées dans la société, qui vont venir s'incruster dans le coeur de ces hommes possédant un statut social, et les aider peu à peu à dénouer les fils de leur mal-être.

Je n'ai pas parlé du jeu d'Adrian Brody, extraordinaire en donnant corps et âme à cet homme, ni des derniers images, bouleversantes. Mais j'espère vous avoir convaincus que Detachment est un film à voir.

Ce film raconte une quête d'amour, et le terrible abandon que ressent celui qui aime sans être aimé. Il se passe en 1917, dans une petite ville de l'est des Etats-Unis et comprend trois personnages : un père, Adam, et ses deux fils jumeaux, Aron et Cal. Tandis qu'Aron représente le fils parfait, sage, raisonnable, affectueux, fiancé à une parfaite petite jeune fille, Abra, Cal est un rebelle mal dans sa peau, plein de violence et de brutalité refoulée. Hélas, Adam ne se reconnait qu'en Aron, et néglige Cal qui en souffre terriblement. Cal retrouve sa mère qu'il croyait morte et qui en fait a fui la demeure familiale après la naissance de ses fils, pour aller tenir un bar louche, loin de la pureté biblique d'Adam. Cal croit reconnaître en elle le mal dont il sent affublé, mais cherche toujours à se faire aimer par son père - sans succès.

C'est un film bouleversant. Le thème de l'enfant mal-aimé qui le sous-tend est terriblement émouvant. James Dean joue un être blessé, désespéré, certain de ne pas avoir de place dans la société, persuadé qu'il ne pourra jamais être aimé, lui qui est si différent de son frère. Découvrant sa mère, il fonce dans l'autodestruction, sans voir que sa destruction affectera les siens.

Mais son père et son frère sont-ils innocents ? Parfaits, justes, scrupuleusement honnête, suivant à la règle les principes de la Bible, ils sont en fait d'une cruauté froide sans pareille. Rejettant les défauts de Cal, cherchant à le corriger, ils ne font en fait que isoler leur fils ou leur frère, et rendre sa vie impossible.

Au final, c'est le chef d'oeuvre d'un homme, d'un très jeune homme, qui parait dans ce film : le jeu d'acteur de James Dean est extraordinaire, montrant trop de talent pour qu'on imagine que les failles de Cal sont aussi celles de l'acteur.

C'est malin, j'ai envie de voir La fureur de vivre maintenant !

Vu dans le cadre du challenge I love the Fifties sur whoopsy-daisy !

Angleterre - période victorienne. Une femme, Ada, muette depuis l'enfance, ne s'exprime que par son piano, dont elle joue avec talent et émotion. Son père la marie à un homme vivant au delà des mers, en Nouvelle-Zélande, sans qu'elle n'ait jamais vu que sa photo.

Elle part pour cette terre sauvage et ce mari inconnu, Alistair, avec sa fille (est-elle veuve ? Fille mère ?) et ses biens, ses crinolines, ses chapeaux et son piano. Arrivée sur une vaste plage, elle attend une nuit, avant que Alistair, son ami Baines et les porteurs indigènes ne parviennent à elle. Ses nombreuses caisses sont embarquées, mais le piano reste sur la plage : il n'y a pas assez de porteurs.

Dès cette première rencontre, une méfiance nait entre Ada et Alistair : elle ne lui pardonne pas d'avoir laissé son piano, son moyen d'expression ; il ne comprend pas cette femme si peu adaptée à la vie locale, et si étrange, sauvage, comparée aux autres femmes du village.

Mais Baines, l'ami, le blanc qui s'accoquine avec les maoris, est fasciné par Ada, son regard sombre et ses ses cheveux bien coiffés. Il récupère le piano, l'achète à Alistair avec une terre, et le revend, touche par touche à Ada, en échange de séances de piano sensuelles...

C'était la seconde fois que je voyais ce film et j'en connaissais l'histoire - même si certaines scènes m'ont encore semblées insoutenables. Je me suis donc perdue dans  la beauté de l'image, de cette nature sauvage, de la musique enchantée au piano, de la beauté marquée des corps et des visages, Ada, Alistair, Bairnes. Certaines scènes sont d'une beauté suréaliste, comme la vue de ce piano gisant abandonné sur une plage aux vagues immenses, la grâce d'Ada jouant passionnément sur ce piano et sur cette même plage.

C'est une splendide histoire sur la manière de communiquer, sur tout ce qui peut se dire et qui ne passe par les mots, mais par les sons, la sensualité et l'émotion. Entre la société victorienne, froide et restreinte, et la société maori, où tout est communication, jusqu'aux tatouages sur les visages. Et Ada ne se sort de la première qu'en refusant le mode de communication "normal" : la parole.

Il y a une beauté monstrueuse dans le fait de superposer une époque victorienne raffinée et guindée et cette nature sauvage, immense, envahissante, sublime et boueuse. Ces hommes, ces femmes anglais ne semblent que des pustules sur le dos d'une forêt à laquelle les maoris appartiennent. Hélas, le "progrès" est en marche ...

Et ce piano participe à la juxtaposition surréaliste (quoi de plus complexe qu'un piano - si ce n'est une crinoline ?), et en même temps, à une réalité plus profonde : en créant de la beauté, en partant chercher au plus profond de ses émotions, Ada lui donne une place dans cette nature sauvage.

Vu en visionnage commun avec ma chère Sabbio. D'autres films à venir ...

Et vu dans le cadre du challenge Back to the past !