Cette pièce, découverte grâce à l'intermédiaire du Rhinocéros (qui en parle bien mieux que moi), est composée de la juxtaposition de deux pièces en un acte : Il faut qu'une porte soit ouverte ou fermée de Musset, et Je ne veux pas me marier, de Jean-Marie Besset.

Deux époques, le XIXème siècle romantique et le XXIème, mais un seul sujet, le couple, et ses travers, l'inconstance des hommes, les angoisses des femmes, et la confiance qui s'établit difficilement entre eux.

Il faut qu'une porte soit ouverte ou fermée décrit la séduction par un comte élégant d'une jeune veuve de 28 ans. C'est son jour, mais seul le comte a bravé la pluie pour venir. Elle se prépare pour le bal du soir, elle belle, libre, pleine d'esprit et indépendante. Il est amoureux, intimidé, maladroit, et un peu hussard sur les bords. Elle ne sait pas qu'il l'aime, ou elle le sait trop, et ne veut pas le savoir. Un condensé d'esprit à la Musset, presqu'à la Wilde, avec une touche des Petites Misères de la Vie Conjugale, interprêté avec beaucoup de talent par Blanche Leleu et Adrien Melin.

Après le dénouement, heureux, on s'en douteraitr, la future comtesse reste quelques instants en arrière, dans son salon, tandis que des déménageurs emmènent les meubles. Sortant à la suite, elle croise une autre jeune femme, son arrière-arrière-arrière petite fille, robe mondrian et chignon lâche. Elle, c'est Vivien (Chloé Olivères), une prof agrégée de maths à la veille de son mariage, dans les derniers préparatifs, que vient déranger son promis, Tigrane (toujours Adrien Melin). De fil en aiguille, les failles de leur couple apparaissent, et tâchent leur souvenirs heureux. Du mariage, Vivien ne voit bientôt plus que la privation de liberté qui l'accompagne... Tigrane est-il vraiment l'homme avec qui elle souhaite passer sa vie ?

Le même acteur joue les fiancés des deux pièces (en étant un chouia meilleur dans la seconde, d'ailleurs), comme si l'éternel masculin traversait les pièces, tandis que les deux femmes se succèdent, l'une portant l'angoisse d'être abandonnée après avoir été séduite, tandis que l'autre craint plus l'enfermement dans un statut. Et cette rencontre, ce regard échangé, emprunt d'une compréhension intime et d'étonnement, est sans doute, dans son silence même, le climax de la pièce.

Au final, c'est un pari audacieux et réussi, joué par trois excellents jeunes acteurs et une mise en scène de très belle qualité.

Allez-y vite, elle ne se jouera plus très longtemps : Il faut je ne veux pas, au théâtre de l'Oeuvre (près de la Place Clichy, dans le nord de Paris), jusqu'au 15 Avril 2012.

Le conte d'hiver est une des pièces de Shakespeare que je ne connaissais pas du tout, n'ayant même aucune idée de ce qu'elle pouvait raconter. B. l'apprenant (c'est une de ses pièces préférées) et voyant qu'elle se jouait à Bagatelle, il m'y a emmenée sans même me demander mon avis (qui n'aurait pas pu être négatif).

Nous voilà donc installés (je remercie d'ailleurs la RATP et le RER B sans qui j'aurais été obligée d'attendre une demi-heure, au lieu d'arriver juste à l'heure, stressée et en sueur) dans ce joli théâtre tout moderne. J'ai mis quelques temps avant de rentrer car le nombre des personnages présentés au début était un peu trop nombreux.

Il y a un roi de Sicile, Léonte, et sa femme aimable et vertueuse, Hermione, qui invitent à leur cour l'ami d'enfance de Léonte et roi de Bohème, Polixène. Léonte a un fils, Mamilius, et un conseiller Camillo. Tout est pour le mieux dans le meilleur des mondes, jusqu'au moment où Léonte est pris de folie : il est persuadé qu'Hermione le trompe avec Polixène.

Il cherche à faire empoisonner son ami - sauvé in extremis par Camillo qui s'enfuit avec Polixène en Bohème. Il emprisonne sa femme, refusant d'écouter ses dénégations passionnées. Et c'est en prison qu'elle accouche d'une petite fille, Perdita, et meurt, ainsi que son fils, en entendant son mari renier l'Oracle de Delphes qui l'innocente.

De plus, Léonte est persuadé qu'elle n'est pas sa fille mais celle de Polixène. Il demande donc à l'un de ses conseillers d'exposer le bébé dans un endroit sauvage ... Et le hasard mène Perdita sur les "rives" de la Bohème, pas très loin du Palais de Polixène où vit son fils.

Seize ans plus tard ... pas la peine de faire un tableau, et cette pièce, commencée comme une tragédie terrible, se finit en farce et en comédie la plus belle qui soit. La fin, ohhhh, la fin, je sautillais toute seule sur ma chaise.

La mise en scène est excellente. J'ai été un peu déroutée au début par l'accent des acteurs, comme s'ils cherchaient à contrefaire l'italien ou le bohémien, mais finalement, en me rendant compte qu'ils sont réellement étrangers et que c'est leur accent naturel, j'ai fini par me laisser bercer la musique des mots.

Les acteurs sont tous excellents, à commencer par Léonte et Hermione. C'est vif, c'est gai, c'est plein d'esprit et de joie, et j'ai passé un très bon moment...

A l'exception de ceux où l'acteur jouant le fils de Léonte, le fils du berger et le Temps était en scène : son côté clownesque un peu lourd retirait un peu de la grâce de la pièce... Dommage...

Vue dans le cadre du challenge Shakespeare !

"Mourir..., dormir, rien de plus ... et dire que par ce sommeil nous mettons fin aux maux du cœur et aux mille tortures naturelles qui sont le legs de la chair: c’est là un dénouement qu’on doit souhaiter avec ferveur. Mourir.., dormir ... dormir! peut-être rêver !"

Après avoir été convaincue par les billets de Cryssilda et de Fashion, et alléchée par le commentaire d'Isil (c'est quoi cette histoire de duel et d'eau ? et de trop boire ?) sur son facebook, j'ai été l'autre soir voir jouer Hamlet au Théâtre Mouffetard.

C'est une pièce que j'avais tentée de lire il y a bien longtemps, avec de renoncer, submergée par la richesse et la complexité de la pièce. J'étais impatiente de la voir jouer, et je n'ai pas été déçue.

Lorsque nous sommes entrés dans la salle, un jeune homme était déjà sur scène et regardait les spectateurs s'installer. Quand tout le monde fut assis, l'attente continua paisiblement. S'installa. Les bavardages reprirent et s'amplifièrent. Et, brutalement, sans les trois coups annontiateurs ni aucun lever de rideau, il nous parla : son nom est Horatio, et il allait nous conter des événements tragiques.

Pendant qu'il parle, les autres acteurs entrent en scène et s'alignent dans le fond. Tout d'un coup, la musique (Eurythmic) commencent, tout le monde danse, rit, chante : nous sommes en plein mariage. Seul un invité, un grand échala triste et passionné, semble triste. Il s'appelle Hamlet, son père est mort depuis à peine quelques semaines et le mariage célébré est celui de sa mère, toute jeune veuve, et de son oncle. Il est déjà révulsé. Mais lorsque le fantôme de son père lui apprend que l'assassin est justement le nouveau mari de sa mère, sa haine et son dégoût ne connaissent plus de limite.

Hélas : notre Hamlet n'est pas un héros. C'est un lâche. En bon fils vengeur, il voudrait planter une épée dans le coeur de son oncle, mais il n'y arrive pas. Il veut des preuves. Un plan. Dévoile à son oncle qu'il sait. Histoire d'être sur de lire sur ses traits la culpabilité. Lambine. Cherche à prévenir sa mère.

Bref, donne tout le temps qu'il faut à l'assassin pour prendre ses précautions.

Parlons de la pièce, déjà, que je découvrais à cette occasion. Bien sûr, c'est un chef d'oeuvre. Déjà, parce que c'est une situation incroyablement tragique, antique, mais avec un héros qui ne l'est absolument pas. Un romantique avant l'heure qui se berce de discours... C'est peu de dire que l'originalité de la situation, sa modernité, m'a séduite.

Mais c'est avant tout une pièce d'une poésie merveilleuse... Les longues tirades d'Hamlet se lamentant sur la vie du fond de sa dépression, la folie d'Ophélia, le théâtre dans le théâtre, la tendresse de la mère pour son fils malade, tout cela est splendide et méritait à juste titre de rentrer dans la mémoire culturelle mondiale.

La mise en scène, justement, valorise la modernité et la poésie du texte. Elle ne s'incline pas devant le chef d'oeuvre, elle le mastique et le digère. Son rythme, tantôt brusque et enlevé, tantôt lent et paisible, structure une pièce très longue. Et certains morceaux de bravoure (le "To be, or not to be", ou les adieux d'Ophélie) sont admirablement traités. Et même le "duel à la bassine", que j'ai ça et là entendu décrié, je l'ai trouvé assez bien mené : il évitait sans doute un duel maladroit (n'est pas épéiste qui veut) et montrait bien la futilité de la chose.

Je n'ai qu'un reproche à faire : le jeu des acteurs, très inégal. Romain Cottard (jouant Hamlet) a des moments de grâce (nombreux) et quelques moments beaucoup moins bon. Si Fanny Deblock (Ophélia) est parfaite, d'autres surjouent beaucoup trop. L'acteur jouant l'oncle/père est trop souvent dans l'exagération et une certaine forme de vulgarité (ce qui casse complètement la scène de retrouvailles entre Hamlet et le fantôme) ; et le père d'Ophélia en voulant contrefaire un boitement, rend non seulement son personnage ridicule, mais surtout pathétique (et je ne suis pas sûre qu'il en avait besoin).

Dommage, car l'impression générale qui me reste de cette pièce est excellente, et possède des moments de grâce extraordinaires...

Aristophane est un auteur qui m'amuse : on le prend pour un classique - tant qu'on ne l'a pas lu. Et dès les premières lignes, on se rend compte que cet auteur mort depuis 2500 ans est très très vivant, graveleux, bon-vivant, et très très populiste.

Pour poursuivre ma découverte de cet auteur, j'avais autrefois lu ses oeuvres complètes, dans la collection Folio, dont la traduction m'avait exaspérée : ils avaient tout traduit, même les noms; L'hélleniste que je suis (que j'étais plutôt), était choquée.

Par chance, je ne me rappelais plus rien des Oiseaux avant d'aller le voir au Français. Heureusement, car il ne reste plus grand chose dans la pièce que j'ai vu de la pièce antique.

Les héros ne sont plus des hommes, mais des femmes. Pourquoi pas ? Je n'ai rien contre à condition que ça apporte quelque chose à la pièce. Mais là, pourquoi ? quel est le sens de faire de ces deux humains fuyant la ville vers le monde des oiseaux pour échapper aux impôts et aux tracasseries judiciaires, deux femmes ?

Je n'ai absolument pas compris la raison de ce changement de sexe, d'autant plus qu'il rajoute des bizarreries à la fin, lorsque Camarade Constance adopte et n'épouse pas, la Souveraineté.

Mais soit.

Le lieu aussi à été changé, mais sans l'être réellement : le monde des oiseaux, est à la fois dans les cieux, à mi chemin entre le monde des dieux et celui des humains (en cela, la mise en scène reste fidèle à la pièce) et à la fois Place Colette (la place où se trouve la Comédie Française) et les oiseaux en sont les acteurs du même théâtre où l'on se trouve. Mise en abîme qui ne serait pas inintéressante si elle était menée jusqu'au bout, et qu'on ne parlait plus du tout des cieux ni des dieux.

Les références politiques ont elles aussi été actualisée : s'il devait y avoir une actualisation que je comprends et soutient, c'est bien celle là. Les diatribes d'Aristophane envers ses contemporains n'ont aucune chance de nous faire rire, alors que celles envers nos politiques sont plus faciles à saisir. D'ailleurs,l'apparition de Lagerfeld a provoqué les rires de la salle.

Mais en même temps, la pièce reste désespérement fidèle à l'Antique, nous ressortant Héraklès et Poséidon par exemple. Et donc se contredisant par moment, lorsque par exemple, Camarade Constance, qui honnissait la fermeture des frontières quelques scènes auparavant, se met à refouler tous les profiteurs venant s'installer à Coucou-sur-Seine.

Au final, on ne comprends plus rien à la pièce. Reste un décor splendide, dans toute la beauté de l'architecture classique du Palais Royal, des costumes foisonnants et lumineux, et quelques acteurs extraordinaires, comme en particullier Loïc Corbery, jouant Le Coryphée, vif et souple comme un passereaux, et qui arrive à nous faire voir, par intermittence l'oiseau qui se cache derrière l'acteur.

Je n'ai donc pas passé un mauvais moment, chaque scène était agréable, mais l'ensemble manque cruellement de cohérence.

L'avis de Céline

J'ai eu le bonheur d'assister lundi dernier à une chose rare (et pas seulement parce qu'il y avait le gratin de l'intellectualisme parisien, à coup de BHL, Dombasle, PPDA, Frédéric Mitterand et tutti quanti). Non, une vrai chose rare et belle : la retransmission en version longue de Metropolis de Fritz Lang au Théâtre du Châtelet...

C'était extraordinaire pour tout un tas de raisons : parce que le Châtelet est un endroit merveilleux, tout plein de draperies de velours rouge et de doreries ; parce que la musique était assurée par le Philharmonique de Radio France et que ça en jetait (surtout pendant les scènes de révolution ...) ; parce que Fritz Lang est un réalisateur génialement talentueux ; et parce qu'en plus, suite à la redécouverte il y a deux ans de bobines à Buenos Aires, on en avait 20 minutes de plus !

Bref, un enchantement ...

J'y suis allée sans rien connaître de l'histoire et j'ai donc découvert sur place Metropolis, ville de science fiction hyper hiérarchisée, où les maîtres vivent dans des gratte-ciel donnant sur le soleil et la lumière, et où les ouvriers s'entassent dans des immeubles souterrains ; où les fils des uns jouent à la course et s'ébattent dans des jardins extraordinaires, et où les fils des autres s'échinent dix heures par jour à la tâche ; où les femmes des uns sont habillées de tenues extravaguantes et à moitiés dénudées et où les femmes des autres sont sobrement vêtues de longues robes noires.

Le chef de cette ville, le patron au grand bureau donnant sur la ville, c'est Joh Fredersen, un homme austère qui n'a qu'un amour, son fils, et qu'un regret, sa femme morte en couche.

Son fils, Freder, croise par hasard le regard d'une jeune ouvrière, Maria, et c'est le coup de foudre (montré avec toute la finesse du cinéma muet : et que je me tiens le coeur, et qu'on se regarde dans le blanc des yeux pendant que le monde s'arrête de tourner, et que je me tiens le coeur encore plus fort, et que ...). Parce qu'elle dit aux enfants ouvriers qu'elle conduit que ce sont là vos frères, Freder décide lui aussi d'aller "voir ces hommes dont les enfants sont ses frères et ses soeurs", et surtout retrouver Maria.

Il découvre alors la vie atroce des ouvriers, qui n'a pas été sans me rappeler Les temps modernes de Chaplin (paru après, j'ai vérifié). Leurs dures journées ; le terrible Moloch qui se nourrit de leur force et de leur chair (scène terrible et extraordinaire) ; le stress, l'organisation quasi-militaire, l'épuisement, tout cela frappe le jeune homme sur-protégé au grand coeur, et le conduit à prendre la place d'un des ouvriers. C'est là qu'il apprend que Maria, sa bien-aimée, est une sorte de prophète de cette autre ville, annonçant la venue du médiateur, celui qui, tel le coeur, fera le lien entre la tête (le patron) et les mains (les ouvriers). Morale un peu niaise, je vous l'accorde, voire même légérement nauséabonde parfois.

En parallèle, on découvre Rotwang, le savant fou, l'inventeur démoniaque, qui crée un robot à apparence de femme, et dont Joh Fredersen veut se servir pour semer la zizanie chez les ouvriers. Le monstre technologique qui s'oppose à la beauté naturelle de l'amour de Maria et Freder...

C'est un film fondateur, mythique, plein de références (surtout bibliques en fait) et surtout splendide. Certaines images, de la ville, de l'usine, de la débauche, m'ont enchantée. Elles sont construites comme des tableaux vivants, des métaphores du Mal qui corrompt la ville.

Mais si Fritz Lang représente le Mal avec talent, je le trouve moins brillant dans la représentation du Bien, qui devient facilement nian-nian et gentillet. Les références à la Bible, au berger menant son troupeau ; la critique violente des révolutions ; l'absence de remise en cause de l'extrême inégalité sociale m'ont mise mal à la l'aise tout comme l'aspect religieux extrêmement prégnant. Il y a dans ce film un aspect "éducation populaire" qui m'a gênée...

Et d'autant plus que le film est sorti en 1927 en Allemagne, et que sa scénariste deviendra partisante du régime nazi. Sorti de son context, cet aspect ne m'aurait peut-être pas mise mal à l'aise : après tout, Hugo peut faire pire... Mais là, il m'y a fait penser.

Quoiqu'il en soit, ce film vaut le détour pour son atmosphère sombre, fantastique, théâtrale, démesurée. C'est un film titanesque !

L'avis de B.

Attention chef d’œuvre.

Nous avons eu l’immense privilège d’assister à la projection de Métropolis de Fritz Lang au théâtre du Chatelet pour les 20 ans d’Arte avec l’orchestre philharmonique de Radio France en live pour la musique … tout bonnement magique !

Il faut savoir que cet immense chef d’œuvre a été bien maltraité par le temps et que si l’original durait plus de deux heures, la copie qui nous restait était une version largement tronquée de 80 minutes. C’était compter sans la fondation Murnau et la chance qui ont permis de retrouver une copie du film au musé de Buenos Aères, à partir de laquelle il a été possible de restaurer le film presque intégralement. C’est cette version presque conforme à l’original qu’il nous a été donné de voir.

Que dire de ce film ? Tout ici confine au mythe, que ce soit l’image (certaines scènes sont immortelles), le thème multiple, engagé et puissant et surtout l’art de Lang poussé à son paroxysme.

Métropolis est une cité futuriste divisée en ville basse et ville haute. La ville basse, cœur industriel, est l’antre des machines que des ouvriers rendus au statut d’automates servent au péril de leur vie. Une scène incroyable nous montre la machine en Moloch mangeant ses propres ouvriers offerts en sacrifice. Ce sont les plans dont sont tirés les images de l’immense clip de the wall des Pink Floyd et certaines des scènes les plus évocatrices du cinéma. Chaque plan est une photo d’art. La ville haute, quand à elle, n’est que jardin, plaisir et jouissance pour les fils de la grande bourgeoisie dirigeante.

C’est dans un de ces jardins que Freder, fils de Joh Fredersen qui est le maître de la ville, a le coup de foudre pour une jeune femme qui brave l’interdit pour amener les fils d’ouvriers voir la lumière du jour et les jardins. Il va descendre dans la ville basse pour tenter de retrouver cette femme. 

Ceci ne plait bien entendu pas à son père qui le fait suivre et découvre ainsi que la jeune femme en question, Maria, prêche l’égalité entre tous les hommes. Elle tempère toutefois les ardeurs bolchéviques des ouvriers en leur faisant miroiter l’arrivée d’un médiateur qui mettra fin aux abus de Fredersen et des patrons. Ceci reste la seule faiblesse du film, car charge son message d’un certain kitsch (entre la tête et les mains le médiateur est le cœur … hum …)

Je crois comprendre des mes recherches que ceci est une théorie qui est due à l’influence de Thea Von Harbou, la femme de Fritz Lang et coscénariste du film. Il s’agit d’une idéologie politique nazie (pas de lutte des classes mais une cohabitation harmonieuse entre classes populaires et élites – totalement niais). Il faut toutefois remettre les choses dans leur contexte : (i) la dénonciation de l’abus de la classe ouvrière reste très efficace et sans concession, marquant très clairement une idéologie de gauche (c’est en fait surtout dans la résolution du conflit que se marque ici la différence avec le marxisme - on est un peu géné aux entournures par l'absence de remise en cause des inégalités sociales) et (ii) il s’agit d’un film muet et ainsi l’écrit ne tient qu’une place limitée à quelques cartons assez peu denses. Vous comprendrez donc qu’ici la mise en scène est la seule à permettre de faire passer le sens. Nous sommes dans le domaine du symbole et c’est là que se situe le géni de Métropolis. La puissance et la richesse du film sont incroyable d’autant plus qu’il doit totaliser à peine une page ou deux de texte pour faire passer toute la richesse de son propos. Tout passe par l’image, et quelle image !

Mais poursuivons le déroulement du récit. Joh Fredersen va voir Rotwang, sorte de savant fou pour lui demander de trouver une solution. Rotwang le hait car Joh Fredersen lui a ravi la femme qu’il aimait, morte en donnant naissance à Freder que Rotwang hait encore plus que son père, si cela est possible.

Freder est un savant fou et démoniaque. Il a créé un androïde féminin pour remplacer son amour défunt (le robot de l’affiche – sublime). Fredersen demande à Rotwang de donner le visage de Maria à cet androïde pour qu’il détruise tout son travail et pousse les ouvriers à la révolte, lui permettant d’user d’une répression violente pour reprendre le contrôle sur la ville basse qui commence à lui échapper (les scènes dans le laboratoire de Rotwang ont tout simplement inspiré toutes les scènes de laboratoires de savant fou que vous avez pu voir – la scène est splendide). Cependant, Rotwang dupe Fredersen et ne poursuit que la destructionde Metropolis. Son androïde sera le messager de l’apocalypse et poussera aussi bien la ville haute que la ville basse à la révolte, noyant la première sous l’eau et la seconde dans la débauche.

Le final, grandiose a lieu dans les tours de la cathédrale et voit Freder apaiser les tensions entre ville haute et ville basse, prenant le rôle de médiateur. C’est peu dire que Tim Burton s’est totalement inspiré de cette scène pour le final de son premier batman et que le joker est une copie de Rotwang.

Métropolis mérite d’être vu ne serais-ce que parce qu’il est l’original de tellement de choses qui nous sont si familières.

Enfin, c’est l’un des premiers films de science fiction, pour moi le plus beau film de Fritz Lang que j’ai vu jusqu’à aujourd’hui et un sommet de mise en scène du brio d’un Orson Welles. La puissance évocatrice de l’image est incroyable et ce film réussit le tour de force de faire revivre devant vos yeux ébahis une version moderne et industrielle du mythe de la tour de Babel.

Magistral.